LOS CUADROS DE FEBRERO (2020)

Este cuadro surge como consecuencia del feliz encuentro entre dos mujeres. Por una parte, la retratada, la joven pintora francesa Adélaïde Binart, que posa sosteniendo su paleta y sus pinceles con encantador gesto de orgullo. Por otra, la autora, su compatriota Marie-Geneviève Bouliard, apenas unos años mayor y ya por aquel entonces reputada retratista. Ignoro si la relación entre ambas fue más allá de lo habitual entre una artista y su modelo, pero me inclino a pensar que sí; así parece demostrarlo, al menos, la actitud de relajación de la retratada, la naturalidad con que clava en su compañera de lides artísticas ―y de rebote en nosotros― una mirada llena de afecto. La concentración en lo esencial es una de las claves de la fuerza y modernidad de este retrato. El fondo neutro y la sencillez del atuendo de la joven Adélaïde impiden que nos perdamos en lo accesorio y ponen de relieve lo que de verdad importa, la felicidad de una artista en sus inicios que exhibe ilusionada los instrumentos de su profesión. Este cuadro pintado en 1796 aleja cualquier prejuicio que podamos albergar sobre el academicismo y la frialdad de los retratos neoclásicos. Es todo vida y espontaneidad. Nos habla de forma franca y directa de camaradería entre colegas, de complicidad femenina, del orgullo del artista, del placer de crear.

El pasado mes de noviembre comentaba en esta sección un cuadro de la pintora estadounidense Anne Packard, un paisaje marino reducido a sus elementos esenciales, con un predominio absoluto del color azul. Visitando la página web de esta artista, he descubierto que tiene dos hijas que han seguido sus pasos; a los pinceles de una de ellas, Cynthia Packard, se debe este cuadro titulado Rising. Es curioso que también se trate de una obra en la que un color se erige como protagonista. Reconozco mi relación ambivalente con el amarillo: vistoso en la pintura y los escenarios (a pesar de la superstición actoral que lo ha mantenido alejado de ellos durante siglos), inquietante en la vida cotidiana. Apenas poseo objetos o prendas de vestir de este color, que, en cambio, me llama la atención de forma poderosa cuando aparece en un lienzo. Es el caso de esta obra de temática sencilla y gran expresividad. Lo que podría ser una naturaleza muerta al uso se transforma, al situar el jarrón de flores en un espacio abstracto, en una tormenta de color. El amarillo estalla, forma densas manchas, se precipita hacia el suelo convertido en su hermano naranja. Un ámbito indeterminado en el que creemos distinguir ramas de árboles o incluso un esbozo del disco solar; un espacio, como indica el título original de la obra, lleno de vida que emerge.

Ayer falleció la pintora María Moreno, una artista discreta que eligió desarrollar su carrera a la sombra de la de su marido, el gran Antonio López. Debe de ser lo único sombrío en la obra de esta pintora de mirada sensible y delicada, cuyos cuadros están dotados de una luz purísima que parece emanar de rincones y objetos y que eleva su visión del entorno muy por encima de una simple transposición de la realidad al lienzo. Encabeza estas líneas su cuadro titulado Jardín de Poniente, una de sus clásicas recreaciones de exteriores carentes de presencia humana. El blanco ―color que tanto me gusta en pintura― y sus infinitos matices se apoderan de esta escena apacible: está en los muros del edificio, en el suelo, en las nubes y también en las flores de los árboles que, en fila, demarcan los límites de este paraíso silencioso. Y está, sobre todo, en la luz: una luz blanca, casi sobrenatural, que hace que este escenario cotidiano quede detenido ―me gusta pensar que lo mismo le ha sucedido a su autora tras su partida― en un verano eterno.

Santa Catalina de Siena de Sor Plautilla Nelli, o de cómo no me canso de mirar un cuadro cuya temática a priori me causa rechazo. Escribiré estas líneas para explicarlo y también, de paso, para explicármelo a mí misma. Dicen las enciclopedias que Sor Plautilla es considerada la primera pintora del Renacimiento italiano. Esta artista autodidacta que profesó de niña en el convento de Santa Catalina, donde se dejó guiar en materia de pintura devocional por las enseñanzas del fanático predicador Savonarola, es la creadora de una obra llena de ingenuidad y encanto. Su infancia enclaustrada y las siniestras presencias que la rodearon no consiguieron ensombrecer la hermosa luz de sus pinturas: esta artista es una flor rodeada de espinas. El cuadro que encabeza estas líneas reúne las cualidades de candor y limpieza compositiva que la caracterizan. Obviaré las lágrimas con que la santa contempla el cuerpo torturado de Cristo y las señales de los terribles estigmas en sus manos, para quedarme con la luminosidad del blanco y con el sereno perfil que se recorta sobre un fondo neutro, a la manera de los bellos retratos de las damas florentinas de la época. Delicadeza, ingenuidad, simplicidad de medios: Sor Plautilla Nelli me parece un prodigio de elegancia y distinción. El elemento devocional, como sucede en el caso de Giotto o Fra Angelico, queda enterrado bajo semejante derroche de talento pictórico.